Lucy M. MAY (Looumms)

Je m’intéresse à la dimension relationnelle : comment les êtres humains, leur culture, leur société et leurs constructions sont liés à ce que nous appelons la nature, ici sur Terre. Nous sommes inséparables les uns des autres. Nous sommes liés. Nous sommes la nature elle-même. Cette limite, cette frontière, est pleine de sens, de complexité, de contradiction, d’horreur, de comédie, de beauté, et ainsi de suite.

Je travaille par couches : des matériaux provenant de la terre se superposent aux danses que je crée. Je considère le sol, l’appareil théâtral, les fondations en béton, les poutres en I soutenant l’architecture du bâtiment, les sources de lumière… Mon travail aborde souvent la réalité de l’environnement dans lequel nous performons. À ce paysage, j’ajoute de la poétique : brouillard, eau, terre, branches, pierres, vêtements, plastique, invitant des éléments absents.

À travers la sensation et le somatique, la visualisation et les pratiques de divination, mes danses traitent de notre relation au lieu et à la terre à travers le temps. L’improvisation nous ancre dans la vivacité du moment présent. Le texte et l’imagerie visuelle maintiennent l’œuvre reliée au passé et évoquent le futur.

J’adopte une démarche spécifique au site pour rencontrer les écologies des lieux qui contextualisent mes performances. Mon processus chorégraphique s’est développé lors de longues promenades à travers des environnements naturels et construits, dans des résidences en théâtre, en galeries d’art, dans des ruelles et des terrains vagues. Nous passons du temps dans ces environnements. Nous prêtons attention à leurs particularités, à leurs habitants, à leurs objectifs, afin de remarquer comment les choses bougent, apparaissent, disparaissent, cohabitent, et essentiellement, ce que nos corps dans ces situations font. Nous posons la question : qu’est-ce que nous activons ? qu’est-ce que nous perturbons ? quels sont nos rôles ici ?

La forme et le format de mon travail sont très instables. Je ne suis pas attachée à des formes particulières pour le moment, bien qu’un élément de performance en mouvement en direct soit toujours présent.

Souvent, j’invite le public à réfléchir également à leur place et à leur rôle dans l’espace. Ces questions ne sont pas formulées de manière explicite, mais sont implicites et subliminales. Nous abordons ces interrogations dans la manière dont nous accueillons notre public, en tenant compte du temps qu’ils passeront dans cet espace avec nous, du point de vue qu’ils auront, et des sens qu’ils mobiliseront. Je me demande quelle expérience je souhaite inviter le public à vivre, et je m’efforce de créer les conditions propices à l’émergence de cette expérience.

La relation que j’établis avec l’environnement de la performance est abordée à travers une sensibilité au site. D’une part, il est essentiel d’avoir une reconnaissance précise des particularités de l’espace spécifique, en comprenant que ces particularités peuvent toujours faire évoluer la signification de notre travail.

D’autre part, mon approche propose une hypothèse sur la nature ou la fonction du lieu choisi ou de l’espace avec lequel nous travaillons dans le cadre d’une nouvelle pièce. J’imagine chaque itération spatiale comme une icône d’une multitude d’autres espaces similaires, comme une représentation d’une forme standard imaginée ou idéalisée.

Pour les humains comme pour les autres êtres, pourquoi ces lieux existent-ils et à quoi servent-ils — intentionnellement ou non ? Comment un espace peut-il répondre à un besoin humain général ? Et en quoi ce besoin trouve-t-il un écho dans ma propre vie quotidienne ? Depuis cette perspective, je cherche les fractales — du micro au macro, du macro au micro — et je laisse le kaléidoscope nous emporter où il veut.